Daredevil | Reseña Temporada 2, regresa el Diablo de Hell’s Kitchen

Después de un largo año regresa Daredevil con su segunda temporada en Netflix, siguiendo los pasos de Matt Murdock, el ciego que ejerce la ley como abogado de día y como vigilante de noche, junto con sus amigos Foggy y Page se enfrentarán a un asesino despiadado que toma la justicia en sus manos y a un sistema corrupto que hace todo por encubrir sus malos hechos.

Si te gustó la primera temporada de Daredevil, prepárate porque la segunda viene recargada de acción, drama y mucha abogacía. Peleas impactantes, escenas deslumbrantes, todo lo que pudieras esperar, y la primera escena de sexo en toda la serie, no es que hiciera falta, pero uno se preguntaba ¿Por qué no hay nada de eso si igual les parece sencillo mostrar impactos de escopeta en la cara o brazos y piernas rotos como si las personas fueran de trapo?

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Este fin de semana lo dediqué totalmente a terminar la segunda temporada, y no solo porque quería traerles una reseña fresca sino porque me resultó imposible despegarme de la pantalla, y es que la trama fluye tan bien de un capítulo a otro, que la historia parece no darte espacio para pausar.

En esta ocasión Jon Bernthal (The Walking Dead, Fury) hace de The Punisher, mas crudo, despiadado y deschavetado que cualquier otra personificación previa del justiciero en algún otro medio a excepción del cómic, y la forma en la que entrelazan su historia es magistralmente ejecutada por los guionistas quienes le dan un protagonismo bastante acertado durante toda la temporada.

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Elektra (Elodie Yung) hace aparición en el momento justo para que no solo Matt se sorprenda, sino que el público también disfrute de su llegada, haciendo esta mancuerna con nuestro héroe mientras bailan una danza de amor-amistad-odio a la que ambos se mueven al compás de la violencia y la investigación de una amenaza inminente que está a punto de hacer temblar a la ciudad de Nueva York desde los cimientos (o más abajo) de Hell’s Kitchen.

Por otro lado, algunos enemigos indeseables regresan y eso me hace muy  muy feliz, sorpresas inesperadas que son bienvenidas y enriquecen la historia de una manera espectacular, ya que dotan al universo de esta serie de una uniformidad que muchos dramas quisieran tener. Así que aun hay mucho que ver en las siguientes temporadas.

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Si bien es una serie de acción, no todo son los golpes, algo que me encanta es el peso que se le da a la profesión de Matt como abogado y como Nelson & Murdock se hacen de enemigos poderosos, de esos que solo salen durante el día, visten traje y que al presionar hacen mella en la amistad de nuestros protagonistas.

En conclusión: Nuevo traje, nuevas secuencias impactantes de acción, nuevos justicieros, nuevos enemigos, geniales regresos, la misma calidad de la temporada pasada, y no pueden faltar los hermosos chamorritos de Deborah Ann Woll quien es Karen Page y que se roba los corazones de todos. No se pierdan al final la pequeña sorpresa que llega el 30 de Septiembre a Netflix.

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Así que no hagan decidia si no han visto la primera o esperan algo para ver la segunda, es momento de que vean Daredevil. No creo que haya alguien que no lo haya visto pero igual aquí les dejo el trailer de la segunda temporada.

Beast of No Nation: los niños soldados de África | Reseña

Tuve que hacer las pases con esta película antes de animarme a escribir la reseña. Ni siquiera la pude ver de un tirón: la tuve que dividir en tres porque, por primera vez, alguien se animaba a representar una guerra en áfrica de esta manera. Ningún blanco, ni ningún estadounidense se presentaban como salvadores, la ONU aparecía de pasada solamente. Beast of No Nation no pretende ser una película agradable o dejar buen sabor de boca, casi no hay una nota de optimismo sobre ella; más bien parece todo lo contrario, ser una de esas películas que te hacen perder poco a poco la fe en la humanidad y te dejan en estado de shock. Por eso, el día que acabé de verla dije que tenía que hacerle una reseña, pero la reseña se quedó esperando y seguí postergándola. Antes tuve que hacer las pases con la película.

Beast of No Nation es una adaptación del libro con el mismo nombre del autor nigeriano Uzodinma Iweala, que toma el título de uno de los álbumes de Fela Kuti, un compositor nigeriano, también. No he leído el libro porque ni siquiera tenía consciencia de que existía hasta que me puse a buscar información sobre la película. Aun estoy pensando si leerlo o no, pero creo que acabaré haciéndolo. Me queda todavía la duda de qué tan bien retrata la película a lo que está en el libro, qué tan buena adaptación es y, finalmente, que tiene que decir un nigeriano que probablemente ha visto la guerra sobre el tema.

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La película tiene lugar en una guerra africana ficticia. Nunca sabemos exactamente en qué conflicto está basada, pero tengo la idea, de que, por la nacionalidad del autor, se basaron mucho en la guerra civil en Nigeria hace más o menos cuarenta años. Sin embargo, para este lado del mundo, que está acostumbrado a oír las noticias de la guerra en África como algo lejano, que pasa casi siempre en algún lugar del continente, todas las guerras nos parecen iguales y eso es algo de lo que la película sin duda se aprovecha.

La trama sigue a Agu (Abraham Attah), un niño de diez años que se ve metido en medio de la guerra después de que los soldados lleguen a su aldea y realicen una matanza, creyendo rebeldes a los hombres que se habían quedado atrás para defender la aldea de los saqueos. Agu, que estaba entre ellos logra huir, pero va a dar de cabeza con los rebeldes y, sin ninguna otra posibilidad, termina uniéndose a ellos, porque la alternativa es la muerte y porque ha visto morir a su padre y a su hermano a manos de los soldados que se supone que iban a protegerlos. El papel del comandante cae sobre Idris Elba, más conocido por Luther, serie de la BBC.

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Beasts of No Nation es una película incómoda. Sólo se me ocurrió esa conclusión después de estarlo pensando. No te deja un minuto de descanso desde el momento en que Agu se une a los rebeldes: podemos ver la guerra en todo su esplendor. Cómo manipulaban a los niños soldados, prometiéndoles venganza o que podrían encontrar a su familia, el abuso de las drogas para que pudieran rendir, la obediencia casi ciega que le deben a sus comandantes, la muerte (sobre todo la muerte). Y, en medio de todo eso, a veces, la amistad y la lealtad.

Esta película no es optimista. Retrata (quiero creer) la realidad de los niños soldados en áfrica. No hay ningún salvador al final esperando, aunque no se puede decir que termine mal. A la hora de la verdad, no sé si recomendarla o no. Supongo que depende del interés de cada quien.

Anomalisa: No soy tan viejo para esta película

No se ni siquiera como comenzar a describir esta película. Desde el momento en que vi el tráiler de Anomalisa me “enamoré” del concepto y de todo lo que prometía “para mi” (por así decirlo): un licuado de emociones acompañado de una idea increíble cubierta de trabajo creativo, dando como resultado una experiencia única, como hace mucho veíamos en el cine.

Desafortunadamente esto es, y será siempre, el problema con los avances, es muy difícil dar una probadita de lo que será la película sin provocar expectativas.

Voy a tratar de dar el mínimo de detalles para evitar spoilers, pero aún así trataré de describir la película lo mejor que pueda.

En general, para mi la película fue decepcionante. Desde el inicio y hasta el final, senti una muy incómoda ansiedad, como cuando te quedas sin platica y hay un silencio incómodo, exactamente el mismo sentimiento, y estoy seguro que mi awkward face no desapareció durante todo el largometraje (que por cierto tiene una duración de 90 minutos, no tan largo como yo me esperaba).

El film esta lleno de un humor evidente que no pretende ser el centro de atención, lo cual supongo que es la intención del director para no quitarle crédito al arte principal, pero añadido a este hay un sinfín de situaciones “reales” (de esas que intentan decirte “¿a que esto te ha pasado a ti, eh?”) que simplemente me confundieron mucho, ¿Por qué? Porque NO PUDE identificarme con ninguna, y fue precisamente esta lucha para entender las circunstancias del personaje las que me distrajeron lo suficiente como para no entender por completo la trama y la real intensión de la misma.

Por otro lado, el stopmotion es impactante, y es impactante ver el arte de los personajes, pero eso no es ni inesperado ni interesante de discutir. En general la fotografía es muy agradable, sin duda, pero un filme desgraciadamente no es que solo estética. A lo largo de la película se intentan utilizar elementos “ingeniosos” y “creativos” para darle cuerpo a la trama; y es verdad que tiene bastantes buenas ideas, pero creo también que ese fue el problema: son demasiadas. Todas estas ideas te saltan una y otra y otra vez, y llega un momento en que son tantas, que las ideas comienzan a buscar soporte unas sobre las otras, llegando el momento al que todo colapsa por falta de una estructura solida como base. El final del filme es predecible, y un poco súbito para mi gusto (a.k.a. ya me cansé de mover estos monitos, ya mejor le dejamos ahí) pero supongo que el final no es realmente la parte mas importante, aun así creo que hubo mucho desinterés en como finalizar la historia.

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Pero vaya, no seamos negativos. Desde un punto objetivo, entiendo que Anomalisa es un filme mas complicado de lo que parece (si la pretensión del asunto lo permite), y muchas criticas profesionales señalan a un “ver mas de una vez” casi casi de manera obligada, pero yo encuentro un poco tramposo esta técnica de hacer un filme complicado adrede, para que tengas que tener que verlo una segunda vez y pillarle un poco mas, en vez de tener la opción como público de simplemente querer verlo de nuevo por gusto.

En fin, después de un poco reflexionar sobre que mensaje quiere dar este largometraje, llegué a esta cruda conclusión: no soy lo suficientemente viejo para ver esta película. ¿Y por qué para mi esto es un motivo suficiente para que no me guste la película?

Veamos: En Anomalisa, el personaje principal seguro tiene mas de 40 años, por lo tanto sus problemas existenciales y situaciones por las que pasa que insisten implícitamente identificarse contigo, son problemas que pasan cuando te encuentras en situaciones específicas y que solo puedes vivir a esta edad. Estas cansado de tu rutinaria vida que llevas viviendo los últimos 20 años, extrañas a tu primer amor, quieres tener una aventura a toda costa por que hace años el sexo con tu mujer no te mueve nada, en fin, estoy seguro que concordaran conmigo cuando les digo que todas estas situaciones no me dicen nada en lo más mínimo, porque simplemente no tengo la edad suficiente como para haberlas vivido y por ende entenderlas.

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¿Muy egocéntrico? Piénsalo dos veces. Nuestra generación esta tan acostumbrada a que de una forma u otra todos los temas que se tratan en el séptimo arte son orientados y dedicados a nosotros, a que todo lo que vemos en el cine es parte de nuestro mundo, a que esa historia de amor de nuestro súper héroe favorito nos recuerda a la que vivimos actualmente, que cuando vemos una falta de reflejo de nuestras modernas vidas en pantalla grande, inmediatamente salta un rechazo y desagrado por la obra, lo cual encuentro es una pena enorme. Y es así como tratando de ser sincero conmigo mismo y aceptando esta realidad que quiero darle respuesta a mi decepción por esta esta película.

Ojo, nunca he dicho que Anomalisa es una mala película (por mas subjetivo que esta palabra sea) sino simplemente decepcionante para mi gusto, y supongo que básicamente es debido a que mis expectaciones eran tener un tornado de emociones y un fuerte “that’s so me!”, y que al final obtuve solo un par de WTF?, combinado con una constante incomodidad (muy probablemente debido al valle inquietante).

En conclusión, les recomiendo que vean Anomalisa sin ninguna expectativa y no permitan que el arte sea abrumada por sus egoístas e inconscientes complejos, si no mejor traten de apreciar el film de una manera mas neutra, tal vez así puedan sacarle mejor provecho a este peculiar filme.

¿Te gustó? ¿No te gustó? Me interesa tu opinión, escríbeme a mi cuenta de Twitter y cuéntame que pensaste de la película, me gustaría mucho saber si te paso igual.

Nota original de: Ilan Olivarez.

Zootopia | Reseña

Si te gusta pasar un buen domingo con tu familia o si tienes hijos, hermanos o sobrinos pequeños Zootopia es una buena opción para pasar un rato agradable con ellos.

Zootopia se estrenó hace poco en el cine para ser exactos el 18 de febrero del presente año; siendo una película animada nos cuenta la historia de una coneja llamada Judy Hopps la cual tiene como sueño convertirse en la primera policía coneja de la historia. Lo cual consigue después de muchas pruebas, esfuerzo y dedicación.

Cuando llega a la ciudad Judy se encuentra siendo menospreciada por ser un animal pequeño y en cierta forma que no puede con el papel de policía, es por ello que la asignan a una área no tan peligrosa para que trabaje. Harta de esa rutina es cuando decide hablar con su jefe el cual le deja investigar las misteriosas desapariciones de varios animales que han estado sucediendo, si no resuelve el caso en 48 horas deberá dejar su trabajo.

En este punto es cuando la película en verdad te deja prendado por la historia, en lo personal conmigo lo hizo. Si bien la historia se desarrolla muy bien de principio, planteando la historia de Judy, el mundo en el que se desarrolla es bastante entretenido visualmente, debido a lo bien cuidado de los detalles. Los medios de transporte, la sociedad, la tecnología y todos aquellas cosas que hacen bastante humanos a todos los habitantes de zootopia.

La trama es simple, quizás hay muchos clichés hacia las películas policiacas, algunos guiños a películas como el padrino, lo que en verdad te harán soltar algunas risas. En cuanto el suspenso es una película bastante atrayente en el climax pero al momento de que todo se “resuelve” suele caer y ser un poco tediosa, el villano de la película es muy predecible y hasta los motivos de su plan malévolo tan bien son bastante simples. Pero bueno, que se puede esperar de una película dirigida para niños.

En realidad no puedo decir que fue muy mala película, de hecho es divertida y te deja una moraleja, bueno, a los niños porque uno como ya adulto sabe que la vida no es tan ideal como te la plantean en las películas, pero ese es un punto y aparte.

Algo recalcable, pero no tan sobresaliente es la actuación de Shakira en la película, es más como un cameo, pero el personaje Gazelle pero bastante adaptable a su persona. ¿Qué opinan sobre el personaje?

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Bueno sin más les dejo abajo el tráiler de la película para que se animen a verla. Y si ya la vieron dejenme en los comentarios que les pareció. ¿Les gustó? ¿La volverían a ver? 

 

I Am A Hero. Los Perdedores en el Apocalipsis Zombie.

Los muertos vivientes están por todos lados. Aunque recientemente se vislumbre un panorama menos plagado de ellos, a diferencia de hace un lustro o poco más, podría decirse que desde finales de los setenta y principios de los ochenta que los zombies no gozaban de estar bajo el reflector de la cultura pop tanto como ahora. Niños, jóvenes, adultos sin importar su sexo pueden disfrutar de las historias que se valen de estos devoradores de personas como elementos dentro de su estructura, ¡incluso hasta muñecas y  películas románticas sobre zombies existen! (Evítese el empalague de Warm Bodies si es usted un fanático del género).

La omnipresencia del género zombie puede convertirse en un problema, porque al verse diluido con otras fórmulas corre el riesgo de desvirtuarse hasta convertirse en una parodia de sí mismo.

I Am A Hero, de Kengo Hanazawa es una de las obras que se esfuerza por mantener el espíritu del zombie atascado de viseras y empapado en sangre. Balanceando con precisión la sátira y el drama, Hanazawa logra tomar la premisa básica del apocalipsis zombie en su estado inicial y jugar con ella hasta convertirla en un argumento con elementos poca veces antes vistos.

I Am A Hero cuenta con Hideo Suzuki como protagonista. Un mangaka (creador de mangas) de 35 años a quien le ha tocado bailar con la más fea durante toda su vida. Su serie de mangas recién fue cancelada y trabaja como asistente de arte en las obras de un autor más prominente; su novia le quiere, pero se vive restregándole en la cara el éxito de su antiguo mentor y amante y se la vive atemorizado por entes que sólo habitan en su imaginación. Hideo no tiene las de ganar, pero afortunadamente para él, el mundo en el que vive como un perdedor está a punto de irse al diablo.

En japonés, el kanji de Hideo es el mismo que el de Hero. De ahí el nombre.

Muchas cosas hacen de I Am A Hero una pieza única en su género. Los zombies, por ejemplo, son un todo nuevo híbrido. No son personas que mueren y vuelven con un apetito voraz por carne humana, no son víctimas de un virus de rabia que les infecta a una velocidad vertiginosa y ciertamente no escapan de sus tumbas para cazar a los vivos. Los ZQN, como Hanazawa nombra a sus zombies, sufren un proceso de degradación mental que los lleva de la lucidez a la irracionalidad en un periodo de tiempo indefinido; poseen vestigios de las personas que fueron antes de convertirse y retienen ciertos hábitos de rutina como cargar un portafolio, traer a sus bebés en brazos o practicar salto de altura, porque sí, los ZQN son ese tipo de zombies con los que Boyle llenó nuestras pesadillas en 28 Days Later: implacables, veloces y fuertes (incluso los bebés ZQN son unos diminutos salvajes que recuerdan a uno que otro primito), lo que siempre puede resultar contraproducente si no se explota de manera correcta. Por suerte para nosotros, Hanazawa emplea el recurso de la criatura imparable para contrastar con la tranquilidad y el orden idiosincráticos de la sociedad japonesa.

Usted a las tres de la mañana cuando baja por cereal a la cocina.
Usted a las tres de la mañana cuando baja por cereal a la cocina para seguir netflixeando.

De ahí parte otro punto a favor de la particularidad de I Am A Hero. El modelo de la sociedad durante un apocalipsis zombie ha sido perpetuado de manera casi invariable desde que George A. Romero salpicó al séptimo arte con los sesos y las tripas de Dawn Of The Dead: los más fuertes (casi siempre figuras de autoridad en el mundo antes de que todo terminara) forjan nuevas comunidades y refugios cuya paz se verá interrumpida cuando un grupo de criminales o una horda hambrienta de muertos vivientes rebase sus defensas. En el Japón de Hanazawa, (el Japón real, quisiera pensar) las fuerzas del orden público están entre las primeras bajas, porque la tierra del sol naciente no es ‘Murica, los policías no disparan a los civiles sólo porque se pongan un poco agresivos y quieran mascarles la oreja; tampoco hay ciudadanos con armas de fuego en sus casas que formen unidades de protección contra los infectados. Irónicamente, en I Am A Hero, quienes que heredan la tierra son los Hikikomori, que es nipón para “individuo que evita la interacción social con otras personas y se recluye a una vida en su habitación”. La dinámica entre los personajes se vuelve completamente diferente cuando son los relegados sociales quienes intentan tomar las riendas del nuevo mundo, porque muchos de ellos no quieren volver a una realidad en la que la vida les ha dado la espalda para convertirlos en los segundones de sus propias vidas y prefieren vivir bajo esa nueva perspectiva donde pueden ser alguien totalmente nuevo, comenzar desde cero y aprovecharlo a cada momento.

"¿Ya escuchaste la nueva de Justin Bieb...?"
“¿Ya escuchaste la nueva de Justin Bieb…?”

Hanazawa toma las costumbres de Japón y las incluye como un gatillo narrativo para mostrar un escenario realista y diferente a la mayoría de las obras sobre el tema, un mundo donde los perdedores, los socialmente disfuncionales, se vuelven sobrevivientes, líderes y, si la ocasión se presta, héroes.

Otra de las cosas que llamó mi atención lo suficiente para adquirir por primera vez un manga (en 27 años de vida jamás había comprado o leído uno) es una muy poderosa: visualmente, I Am A Hero está lleno de realismo. El detalle en cada viñeta es impresionante. De vez en cuando Hanazawa utiliza el recurso de los personajes bocones u ojones a los que Ranma ½ y Dragon Ball nos acostumbraron a muchos durante la infancia, pero en su gran mayoría, los paneles se encuentran plagados de un realismo casi cinematográfico, como si su autor estuviera cambiando constantemente de lente como el más dinámico y acertado de los cinefotógrafos que juega con la forma de capturar imagen en movimiento para transmitir sensaciones y capturar al mismo espectador dentro de una historia llena de tensión y sobresaltos, pero también de emociones y personajes sinceros, complejos y repletos de humanidad.

Desde Dead Alive (Braindead) que un bebé zombie no causaba tanto pavor.
Desde Dead Alive (Braindead) que un bebé zombie no causaba tanto pavor.

Con un argumento sólido que encuentra la forma de ser original en un campo tan restringido, protagonistas improbables, escenarios realistas, una nueva y feroz representación del infectado, una live-action en camino y 13 números publicados Panini Manga por al momento de esta reseña, I Am A Hero es de las mejores obras narrativas zombies que pueden encontrarse, no sólo en el ámbito manga, sino en cualquier medio. Un must no solo para los seguidores del género o para quienes gocen de un buen susto, sino para quien busque una buena historia, porque en estos días en el género del terror, éstas se encuentran un poco escasas.

Ciclo de Evangelion: qué esperar del Rebuild (si no lo has visto)

Del 28 al 30 de enero, se proyectará el Ciclo de Evangelion en la Cineteca Alameda, donde se presentarán las películas del Rebuild of Evangelion estrenadas hasta ahora: You Are (Not) Alone, You Can (Not) Advance y You Can (Not) Redo.

No es necesario ser experto en anime para saber que Evangelion se convirtió en una de las series más importantes en la animación japonesa, con una trama inconfundible por su escenario postapocalíptico, previo al cambio de milenio, referencias religiosas, y un desarrollo de personajes que involucra dilemas filosóficos así como trastornos de personalidad, todo esto en una animación característica de los 90. Si eres nuevo en este mundillo, ésta es un must.

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Es ante su desarrollo y desenlace, que esta serie causa controversia. Entre lo que algunos llaman la ambigüedad del final televisado, su creador, Hideaki Anno, resuelve esta inconformidad con Evangelion: Death & Rebirth, película que funge como resumen de la serie, modificando los 2 últimos episodios para así ser el puente a The End of Evangelion, que toma lugar en la víspera del tan mencionado Tercer Impacto. Mientras esta última película ata los cabos sueltos en la historia por el final televisivo, al final la idea transmitida por Anno es la misma. Sumado a estas alternativas, el manga publicado de Evangelion relata la historia con algunos cambios y detallando otros eventos que no fueron explicados del todo en el anime.

Moviéndonos a 2006, Studio Gainax, anuncia un reboot de la historia, esta vez dividida en 4 películas. La primer película, 1.0, se estrena a principios del 2007, mostrándonos una animación de gran calidad, superando con creces a animes de ese entonces, pues se presenta un arte en 2D más detallado, en conjunto con la animación 3D de elementos como los ángeles. En la historia, se presentan cambios ligeros en la cronología y en los personajes, así como la inclusión de un nuevo piloto. Esto se mantiene durante gran parte de la película 2.0, hasta que aparecen cambios en eventos fundamentales para la serie.

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Para 3.0 la historia toma un rumbo completamente diferente, y su comercialización 3.33, también presenta cambios. Para más detalle de esta película puedes consultar la reseña aquí. Aún se está en espera de la última película, la cual aún no tiene fecha de estreno.

Neon Genesis Evangelion, una historia que ha tenido 4 versiones y que todos hemos intentado comprender en su totalidad aunque sea una, estará disponible para aquellos fans a muerte, y para aquel curioso que desee entrar a una eterna discusión sobre las motivaciones de ésta.

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The Revenant | Reseña.

The Revenant es la más reciente película con la que el recién condecorado director y ganador del Oscar Alejandro G. Iñárritu vuelve para demostrar a todos que está a la altura de los grandes y que Birdman no fue solo un gol de chiripa en la portería del corazón de la Academia.

The Revenant está basada en la historia real de Hugh Glass, un recolector de pieles que fue dado por muerto después de que un oso pardo lo atacara y dejara muy mal herido, para después regresar a vengarse de quienes lo habían dejado atrás casi muerto y a su suerte. Claro que en la cinta de Iñárritu se le otorga otro propósito más honorable porque parece ser que a la vista de todos, está mal vengarse porque parecía que no ibas  sobrevivir, y el asesinato de su hijo mestizo es una tragedia que sirve de combustible para recorrer un largo camino hacia la retribución.

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Una película hermosa en todos sus aspectos. Fotografía impecable, no se puede esperar menos del genio cinematográfico de Emmanuel Lubezki, al cual se nota que le dieron más libertad creativa para pintar con la luz, cada cuadro mágico en pantalla. Habrá ocasiones en las que la cámara no será tan cómodo para la vista, pero todo esto pensado para aumentar la tensión y drama en escena.

La música está a cargo del japonés Ryuichi Nakamoto quien ya habría trabajado con Iñárritu 10 años atrás en Babel. Un score, tranquilo y melancólico poderoso que guía la inmersión dentro de la cinta.

The Revenant es una historia que se toma su tiempo para contarse así misma, y conforme avanza se va revelando por si sola, eso es grandioso, pero a su vez, puede que resulte muy lenta para algunos de entre el público.

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Leonardo Dicaprio es Hugh Glass, quien sufre por más de hora y media hasta que un pequeño rayo de esperanza le hace sonreír por primera vez en mucho tiempo, todo para que después le sea arrebatado, así es su historia, no se puede discutir, una tragedia que parece no tener fin, pero a diferencia de muchas otras historias, esta es una que disfrutas sufrir, y lo haces por lo bien que actúa y expresa su condición. Del otro lado del ring tenemos a un odioso y despreciable Tom Hardy como Fitzgerald, el desalmado que no da nada a menos que sea a cambio de dinero y quien le quita la vida al hijo de Glass.

La locación es tremendamente hipnotizante, las imágenes son capaces de transmitirte el frío que seguramente estaban sufriendo durante la grabación y pone a tu mente a correr e imaginarte como estarías tú dentro de la misma situación, época y lugar.

La mancuerna entre estos dos actores llega a su climax durante el tercer acto de la cinta, que tiene un frenético y violento final en caída libre.

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The Revenant es una película increíble que se toma su tiempo, pero no puedo dejar de pensar de que es el ego de Iñárritu el que trata de sobresalir sobre todo lo que construye con su cinta. O tal vez estoy loco y mi mente no alcanza a comprender como en menos de 2 años este tipo logro hacer 2 películas fabulosas.

Tal vez no gane el oscar a mejor película, de verdad espero que DiCaprio gane mejor actor y estoy muy seguro de que Lubezki se sacará su hat trick con 3 Osares por mejor cinematografía seguidos. Aun a pesar de todo, es una gran película que vale la pena ver al menos una vez en la vida.

Sobre periodismo y otros demonios: En Primera Plana (2015) | Reseña

Spotlight o En primera plana (por su nombre en México) es una película sobre periodismo. Vendida así, a muchas personas no les parecera muy atractiva la idea. No muchos quieren ver una película sobre un montón de tipos sentados frente a un ordenador en una oficina con escritorios llenos de recortes y números telefónicos, y que salen de vez en cuando, libreta en mano, a cuestionar a personas sobre sus pasados dolorosos u olvidados. Y hay mucho de eso en Spotlight, pero no lo es todo. Decir que el periodismo es simplemente esto, es simplificar la noble labor de las personas a quienes esta película exalta: a los periodistas.

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Spotlight trata sobre un grupo de periodistas del Boston Globe quienes comienzan a investigar varios casos de pederastia dentro de la Iglesia en Boston, luego de que el nuevo editor, Marty Baron, se los sugiere/ordena. La película está basada en el caso real del grupo homónimo a la película que en 2002 lanzó a la luz su investigación, ganando así el Premio Pulizter en 2003. Ya lo decía un personaje de nuestras películas favoritas “Esto es lo que pasa cuando una fuerza imparable choca con un objeto inamovible”. La fuerza imparable es nuestro grupo de periodistas dándose de bruces contra el objeto inamovible: la Iglesia, elemento fundamental de la cultura occidental desde tiempos muy remotos, poseedora de un poder indiscutible a nivel mundial.

La película es maravillosa. Los tipos sentados frente sus escritorios toman sus cosas y salen a las calles a inquirir, a establecer relaciones que no siempre terminan bien, al mismo tiempo que tocan fibras en la sociedad que nadie quiere que toquen; se involucran en el caso, y el espectador termina por sentir lo mismo. La tensión va subiendo gradualmente conforme avanza la película, y la aparente (aunque realmente inexistente) monotonía de las oficinas comienza a perderse al mismo tiempo que se van develando nuevos casos de pederastia, encontrando nuevas pistas.

Gracias a una actuación genial por parte de Mark Ruffalo (mi personal favorito), Michael Keaton, Rachel McAdams, Liev Schreiber, entre otros; a la dirección de Tom McCarthy (The visitor, Win Win), quien demuestra su habilidad nuevamente; y a un guion hábil que sabe combinar humor (bien medido) con suspenso (no el género, obviamente, sino el efecto) y drama, ésta película perfila a convertirse en una de las mejores películas sobre medios de los últimos tiempos, y en una de las mejores de 2015.

Habiendo dicho todo esto debo entonces, elaborar un poco mi frase inicial. Sí, Spotlight es una película sobre periodismo; pero también es una película sobre muchas más cosas: sobre la podredumbre de un sistema vigente desde hace siglos, sobre conflictos internos, sobre relaciones, sobre hipocresía, redención, justicia y, sobre todo, esta es una película sobre la verdad; sobre poner debajo de la luz las cosas que hacen mal a la sociedad y hacer algo por mejorarlas.

Krampus, El Terror de la Navidad [Reseña]

Según la tradición de la región de los Alpes –allá por donde vive Heidi-, el Krampus es una criatura extraña, tenebrosa, similar a un fauno pues tiene cuernos de cabra y pezuñas. Es temible y se aparece en invierno para asustar a los niños y llevarse a aquellos que no se portaron bien, algo así como el señor del costal de aquí, pero en Navidad.

Como es de esperarse, esta leyenda la puedes encontrar actualmente en series como Supernatural, videojuegos como Don’t Starve y The Binding of Isaac -del cual espero hablar próximamente- y de una que otra película que pasó sin pena ni gloria directo al DVD, a excepción de este caso.

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Comenzando como cualquier otra película navideña, regalos, felicidad, villancicos, llegamos con nuestra familia protagonista, esa familia que no sabemos si es disfuncional o no, pero la Navidad siempre les trae problemas, y es cuando el miembro más pequeño, desea una Navidad feliz con una familia unida, pero eso no será posible. La familia pierde toda pizca de espíritu navideño, y mientras en una típica película navideña pasaría un milagro, aquí cambia la cosa, pues el Krampus viene a castigar a aquellos que han perdido su espíritu navideño para castigarlos.

Personalmente, encuentro esta comedia de terror muy digna de los 80/90, recordándonos un poco la clásica Gremlins, rayando en serie B, y tampoco puedo evitar pensar en esas películas amontonadas en un cajón de remate como The Gingerdead Man. Sangre, jumpscares, con el detalle de home invasion, sumado a la comedia que no es de sorprender gracias a actores como Adam Scott (Parks and Recreation), Conchata Ferrell (Two and a Half Men) y David Koechner (The Office). Si se hubiera recurrido al uso de maquillaje en lugar de efectos digitales, tendríamos un toque nostálgico excelente.

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La película gana puntos por abordar el tema de una leyenda que aún no se había explotado completamente en el cine de terror, y se agradece en esta época de remakes, secuelas y abuso de subgéneros como el found footage/mockumentary, mientras que refresca la opción de películas navideñas, que siempre está atiborrada de comedias familiares y películas animadas. Es entretenida, sólo el tiempo dirá si se vuelve un clásico navideño, o se va al cajón de remate.

The Danish Girl: un vistazo a la historia de Lili Elbe | Reseña

En 1930, Lili Elbe se convirtió en la primera mujer en la historia en someterse a una cirugía de reasignación de sexo. En 1933, unos años después de su muerte que se cree fue causada por su última cirugía, se publicaron sus memorias, un libro llamado Man Into Woman. Hasta hoy, hay quien sigue considerando a Elbe como una heroína en el movimiento transexual y se siguen escribiendo cosas sobre ella. La novelización de su vida, The Danish Girl, fue publicada en 2001 y hoy se ha convertido en una película protagonizada por Eddie Redmayne y Alicia Vikander. Y después de darle tantas vueltas al asunto, es justo de esta película de la que vengo a hablar.

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Lili Elbe y Eddie Redmayne, como Lili Elbe

 

Para empezar, y con los puntos buenos de la película, Eddie y Alicia, especialmente Alicia Vikander en su papel como Gerga Wegener. Me mantuvieron a lo largo de la película que pasaba de escenas majestuosas a escenas que no se sabía que demonios hacían en la película y realmente lo valen. Redmayne, como Lili, también es impresionante, sobre todo en las escenas que apenas se está descubriendo como Lili y lo bien que transmite ese sentimiento de sentirse en el cuerpo equivocado o dudar por completo de su identidad. Aunque si bien en ese proceso de descubrimiento, cuando Einar y Gerda crean a Alicia como un juego, la película acaba convirtiéndose en una especie de comedia involuntaria; no sé si el propósito era que hiciera reír, aún, pero hubo escenas con las que simplemente no me pude contener.

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La película es visualmente preciosa en todo momento. En serio. Lamentablemente, eso no es todo lo que sostiene a una película. Por momentos, el guion no le ayuda y acaba pareciendo más larga de lo que en realidad es. Es una película que lo tiene casi todo: una premisa interesante, basada en una historia real, buenos actores que lo hacen de lo mejor aunque el guion no les ayude y el hecho de que el tema de la película es un tema que no se trata demasiado abiertamente. Hoy en día, sigue habiendo demasiados mitos sobre la transexualidad y las historias que abordan el tema suelen estar llenas de clichés, mitos o estereotipos. The Danish Girl lo hace lo mejor que puede, al menos eso se lo reconozco, pero la primera mitad de la película acaba cayendo en esos estereotipos, aunque la segunda mitad, por suerte, mejora en ese aspecto.

Sin embargo, como resultado, la película me dejó más bien fría. No me acabó por llegar nada del sentimentalismo, no sé exactamente por qué. Ya lo dije: la película lo tenía todo, pero algo le falló en la ejecución. El guion a veces iba de un lado a otro, como si la historia no tuviera realmente una dirección y hubiera algunas escenas inconexas sin ningún propósito por allí. No ocurre más que unas cuantas veces, pero aún así, después de ver el magnífico trailer, esperaba algo mejor.

gerda

Lo mejor son los protagonistas, ya lo he dicho, especialmente Gerda, pues la película retrata de manera excepcional cuánto le cuesta dejar ir a Einar, que es su marido y su mejor amigo para dar paso a Lili a quien, en cierto modo, ella ayudó a nacer, a salir a la superficie. Tiene algunas escenas memorables, sobre todo cuando Einar modela con las medias por primera vez para Gerda, que le pone un vestido sobrepuesto, la manera en que recorre el vestido con sus manos y cambia, en un momento, su expresión.

Sí recomiendo la película si les interesa, no todo es malo en ella, además, como ya dije, es preciosa visualmente. Por si quieren darse una idea, les dejo el trailer (que, por cierto, desvela todo el núcleo de la película, pero como está basado en una historia real que pueden encontrar hasta en Wikipedia, creo que no importa mucho realmente).

Steve Jobs, detrás de la leyenda. | Reseña.

Steve Jobs es una figura enigmática, pese a ser de sobra conocido. Sus lentes, su suéter de cuello de tortuga, sus jeans de mezclilla y tenis blancos formaron parte de su característico modo de vestir, el cual nos presentó a un hombre elegante en su sencillez y gusto por el diseño, elementos que traspasó a los productos de la compañía que fundó, y sin la cual el mundo de la computación no sería el mismo: Apple.

Su persona ha sido objeto de controversia, y su nombre se convirtió en leyenda a partir de su deceso. A pesar de llevar una vida alejada de los grandes reflectores, era conocimiento de muchos su desagradable comportamiento llegando a rayar a lo ofensivo, su obsesión por el trabajo y la perfección; así como ser un hippie de corazón, lo cual lo llevó a la tumba.

Sabedor de su fatal destino, le ofreció a Walter Isaacson escribir su única biografía autorizada. Poco tiempo después de su muerte, ésta fue publicada y rápidamente comprada para realizar una adaptación de la misma, la cual, cuatro años después, al fin ve su versión cinematográfica en la biopic Steve Jobs (no confundir con la mamerta película protagonizada por Ashton Kutcher).

Steve Jobs (2015) es una película de Aaron Sorkin. Exacto, del guionista, no del cineasta Danny Boyle. Pero posteriormente explicaré este punto.

Los créditos de la Universal dan paso a un video donde Arthur C. Clarke (autor de 2001: A Space Oddisey) habla sobre el poder que las computadoras tendrán en el futuro. Corte y estamos en Cupertino, año1984, previo a la presentación del Macintosh original.

Steve Jobs 2

La pantalla no dirá “Hello”. Es un error del sistema. ¡MIERDA! Funcionó ayer, antier y funcionó hace tres horas, ¡va a funcionar ahora! No funciona ahora, mejor nos saltamos esa parte. ¡JÓDETE! No va a funcionar ahora, no presentaremos eso. ¡Arréglalo! ¿Arreglarlo? [inserte risa nerviosa].

Han pasado solo 2 minutos. Michael Fassbender, para nada un reflejo físicamente fiel de Jobs, nos entrega una de sus interpretaciones más apasionadas y psicológicamente complicada en su ya larga y fructífera trayectoria. A este diálogo brutal vendrán casi dos horas de diálogos. Mordaces, sarcásticos, dolorosos, ingeniosos, patéticos… busca cualquier adjetivo y perfectamente describiría el estilo de diálogos de la cinta, todos directos de la mano del guionista Aaron Sorkin, quien al igual que en su anterior trabajo (The Social Network) toma la figura de un genio computacional, la deforma a su gusto y antojo, y nos brinda la historia de un hombre con todos sus matices, dramatizando la presentación de tres productos que considera claves para entender el concepto de Steve Jobs: la presentación del Macintosh original, el estrepitoso fallo del Next Cube, y su triunfal regreso a Apple en la presentación del Mac, sin el cual no tendríamos nuestros iPhones, iPads y más recientemente Apple Watch (y iPods, aunque ya lleven más tiempo muertos).

Contrario a la aburrida versión de Ashton Kutcher, aquí no se busca relatar el crecimiento de Jobs a la par del de Apple, de hecho, la presentación de los productos es una suerte de Macguffin. Lo realmente importante radica en mostrar tras bambalinas todas las acciones que llevaron a Steve Jobs ser el hombre que fue conocido. Sus desplantes a los empleados, las veladas amenazas que profanaba para salirse de la suya, su desprecio y posterior aceptación ante su hija (un punto central en la trama, en el cual logra volver a su humanización ante el enorme factor tecnológico de su estilo de vida), su burbuja de alteración de la realidad. Sí, todos los elementos de los que hablaba Walter Isaacson en su biografía están aquí, sintetizados, maquillados en los diálogos o directamente de la mano de flashback para poder contar todo aquello que no se puede mostrar en la presentación de los productos.

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Aaron Sorkin habría logrado quedarse con todos los créditos de la historia de no ser por el impresionante trabajo actoral de la dupla entre Michael Fassbender y Kate Winslet. Son ellos quienes tienen la difícil tarea de traspasar las lineas del papel en diálogos y actuaciones creíbles, pues donde llega a haber pretensión por parte del escritor, Fassy y Kate lo vuelven humanamente creíble.

En cambio, el guión sí canibaliza el trabajo de Danny Boyle, quien en anteriores ocasiones ha demostrado ser un buen cineasta (Trainspotting, Trance) pero aquí se limita a cumplir con el encargo, aportando realmente poco en la puesta en escena y dejando que sean los diálogos y las actuaciones quienes marquen el ritmo de la cinta.

¿Es la versión definitiva sobre la vida del creador empresario? No, pero a falta de ver Piratas de Silicon Valley, Steve Jobs logra ser una perfecta aproximación del hombre detrás de los productos de consumo tecnológico masivo. Buen ritmo, buenas actuaciones, espléndido guión y una realización que cumple pero no aporta logran que Steve Jobs sea una cinta imperdible en esta temporada de premios. ¿Oscar para Fassbender? Una respuesta a la que respondo afirmativamente, salvo DiCaprio dicte otra cosa una vez vista The Revenant. Pero como una amiga en Facebook acertadamente dijo: “ay Fassy, ya ganó en mi corazón”.

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Sherlock: The Abominable Bride | Muerto es el nuevo sexy.

En una oda máxima al fan service, cualquiera que haya seguido de cerca la carrera de Steven Moffat con Doctor Who tenía motivos para temer, ligeramente quizá, lo que nos brindaría con el espectacular (sí, así en mayúsculas y negritas) regreso momentáneo de Sherlock, la mini serie británica sobre el famoso detective de Arthur Conan Doyle, que por primera vez nos traería al personajes al Londres Victoriano donde están ambientadas sus aventuras.

(Sí, en esta entrada hay spoilers. Si aún no han visto el especial, regresen en noventa minutos).

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Tras un breve recuerdo de lo acontecido en las tres temporadas previas, Sherlock: The Abominable Bride nos lleva en un alternativo Londres Victoriano en el que el Doctor John Watson nos relata su nuevo trabajo para The Strand, que en sus palabras, ha sido el reto físico y mental más fuerte para Sherlock Holmes: La Novia Abominable, una mujer que durante el aniversario de su boda dispara a los transeúntes para finalizar su sufrimiento dándose un tiro en la boca. Un procedimiento estándar, nos diría Sherlock, pues qué peligro hay ante una mujer suicida. Ninguno, a no ser que dicha mujer se levante de la tumba y cobre venganza de su infiel marido, entre otros asesinatos.

Muchos se preguntaran si vale la pena llevar al personaje a su ambiente natural e icónico, pues si en algo ha destacado la versión de Moffat y Gatiss es en mostrarnos el desenvolvimiento de éste en un mundo actual. La respuesta la tienen un par de párrafos arriba: The Abominable Bride es un episodio divertido, lleno de diálogos ágiles y mordaces, montones de referencias que incluyen al fandom, el bromance de siempre, y por supuesto, ver nuevamente al gran némesis en acción.

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Y no, éste especial no es un punto y aparte en la narrativa de la serie -como lo serían, por poner un ejemplo, los especiales de Halloween de Los Simpson-, pues la presencia de Sherlock en este Londres Victoriano está plenamente justificada para dar respuesta a la gran interrogante que nos dejó ese cliffhanger de la tercera temporada: ¿cómo demonios logró volver James Moriarty de entre los muertos? La respuesta, claro está, viene de una tal Emelia Ricoletti, la Novia Abominable.

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A través de los casi noventa gloriosos y divertidos minutos, Sherlock no solo debe resolver el caso de la novia zombie encabronada, sino también descubrir el misterio de Moriarty, todo esto gracias al hábil manejo de dos lineas de tiempo paralelas, cuyo descubrimiento en la trama es fantástico y un perfecto blow mind. 

A su vez, y como ya es constante para el creador, se nos brinda una trama con toques de feminismo gracias a los momentazos gracias a la gran diversidad de personajes femeninos fuertes que reclaman su derecho a ser en una sociedad mayoritariamente machista. Tan brutal es el breve diálogo entre Watson y Hooper (“Increíble… Lo que uno tiene que hacer para progresar en un mundo de hombres.”) como tan divertido lo es la respuesta de Mrs Hudson a Watson y a Sherlock (“¡Soy su casera, no un recurso argumental!”).

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Mucho se ha discutido sobre el uso de drogas duras en este episodio para agilizar la agudeza mental de Sherlock, pero sabiendo que dicho uso es usado, y de forma un poco de veces más… cruel, por decir algo, en los libros, no veo problema alguno con ello. Sobre todo si tenemos en cuenta la enérgica reprimenda que tiene en ambas lineas de tiempo el personaje de mano de Watson, Mycroft y Mary.

Benedict Cumberbatch y Martin Freeman campan a sus anchas y se nota lo divertido que resulta volver al set, así como la maestría con que bordan a sus personajes, y ni hablar de Andrew Scott, quien como Moriarty nos demuestra lo desaprovechado que estuvo en Spectre. Aunque si algo negativo tiene en su haber dicho especial es la notable visibilidad de ambos actores, pues debido a ella no tendremos otra tríada de episodios hasta 2017.

A modo de conclusión, Sherlock: The Abominable Bride es un especial digno al legado a la serie, que en sus tres breves pero importantes temporadas nos ha mostrado que el clásico de Arthur Conan Doyle es un personaje capaz de reinventarse a sí mismo partiendo de las características conocidas de sobra gracias a las enésimas adaptaciones cinematográficas y teatrales del mismo. Un digno regreso a lo que ya conocíamos, contrario a cierto otro regreso cinematográfico über taquillero acaecido en diciembre pasado. Pero ya hablaremos luego de eso.

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